CAMARON Paris 1987

Camarón  con Tomatito Paris 1987.

Disco reeditado por Universal Music Spain en 1999 producción de Pomelo Flamenco (Miguel Vallecillo) del concierto en directo desde el Cirque d´Hiver en Mayo de 1978.

Miguel Vallecillo se desplaza hasta la Linea de la Concepcion en 1986 para conocer en persona y contratar a Jose Monge Cruz "Camarón" para un ambicioso proyecto, la presentación de este gigante del cante en Paris, es su manager en aquel tiempo, Pulpón, el que le prepara la entrevista y para celebrar el feliz termino de la misma, les invita a ambos a una corrida de toros en Sevilla, en la Maestranza, entre pases de pecho de Curro Romero, se ultima el contrato y los detalles de los conciertos, tres, en el Cirque d´Hiver en Paris.

Los conciertos fueron un clamoroso éxito, llenos absolutos, como teloneros para ir entonando al personal, camarón cuenta con la ayuda de Carmen Ledesma, Rocío Loreto, Quique Paredes, Aurora Vargas y Jarillo de Triana.

Entre el publico asistente, mayoritariamente Parisino, muchísimos Españoles y un nutrido grupo de representantes de la comunidad gitana del sur de Francia. La prensa y la Televisión Francesa se volcaron con el concierto y el artista, dando amplia cobertura de el evento, presentando al publico Frances a un Camarón ídolo de gitanos y de no gitanos.

El disco, muy cuidado en su edición, cuenta con abundante material gráfico del concierto del viaje y de fotografías tomadas en los camerinos, incluso una del interior del coche cama del tren en el que podemos ver a Camarón junto a tomatito descansando durante el viaje.

Los cronistas de ese monstruo del Flamenco cuentan que los ensayos de los conciertos se realizaban en los pasillos del tren, en los mismos camerinos o que simplemente no había ensayos, no es de extrañar, Camarón en una parte del concierto dice que va a cantar por bulerías y que después hace el tema que prefiera el respetable...

La toma de sonido es espartana donde la haya, un par de micrófonos en el escenario y todo el arte que derrochan cantaor y guitarrista. Camarón tremendo, con ese torrente de voz que siempre le caracterizo, con esa visión tan novedosa, y tan criticada por parte de los mas puristas, de lo que era el Flamenco para él. Tomatito enorme, con una guitarra sonora y hermosa, llena de tonalidades, florituras y buen acompañamiento del que siempre hizo gala, la química que se produjo en esos tres conciertos le sirvió a Camarón para ser nombrado Embajador Internacional del Flamenco, un titulo que demostró siempre que merecía y que desempeño de forma tenaz.

Son ocho canciones en el disco y un CD Rom que lo acompaña con tomas del concierto, ocho canciones entre alegrías, bulerías, tarantos y tangos que quizá sean los mas representativos de la obra de este genio que nos dejo en Julio del año 1992. Todavía recuerdo lo que estaba haciendo ese día, es lo que tienen las grandes fechas, regresaba de pasar unos días escalando en Gredos y la noticia la oí en la radio del coche.

Un disco muy recomendado para los que no tienen contacto con el Flamenco y quieren empezar con algo bueno bueno o un disco imprescindible para los que ya les gusta este espectacular Arte.

YOLA

YOLA  Eleanor McEvoy.

Eleanor McEvoy nace en Enero de 1967 en Irlanda, con solo cuatro años empieza a tocar el piano, a los ocho cambia de instrumento y se pasa al Violín, magnifica estudiante en el Trinity College de Dublín,  se gradúa con una espléndida Matricula de Honor. Pasa cuatro eses tocando música en las calles de Nueva York hasta que en el año 1988 pasa a formar parte de la RTE National Sympony Orchestra donde permanece durante cuatro años hasta que decide cambiar de rumbo musical y empieza a componer sus propias canciones.

Eleanor monta un grupo de Jazz junto a Jim Tate al bajo, Noel Eccles en la bateria y Bill Shanley con la guitarra y juntos tocan con cierto éxito en los clubs de Dublín.

El salto a la fama lo da en 1992, Eleanor compone una canción "Only a Woman´s heart", Mary Black invita a Eleanor a incluir este tema en un disco que esta preparando, una recopilación de temas musicales compuestos e interpretados por mujeres, la canción de Eleanor se convierte en el single de ese álbum ademas de darle nombre.

A Woman´s Heart se convierte en el disco mas vendido de la historia de Irlanda, mas de 750.000 copias en su primer año de lanzamiento, y esta considerado como el mas influyente trabajo de una cantautora Irlandesa.

Este disco le abre las puertas a Eleanor para el salto a las grandes listas y grandes mercados, habida cuenta de los múltiples premios que con el consigue, a la mejor compositora, mejor artista novel, etc.

Aunque su primer trabajo como disco consolidado, "Eleanor McEvoy", es eclipsado por el éxito de esta colaboración y pasa sin pena ni gloria por el mercado discográfico.

Su segundo álbum, What´s Following Me?, sale al mercado en el año 1996, con un sonido mas contundente y grunge, Eleanor investiga en ciertos campos musicales que no acaban de cuajar. Snapshots se edita en el año 1999, mas musical y melódico es un nuevo giro en busca del estilo definitivo, priman las canciones mas elaboradas, con baterías mas presentes y protagonistas, este álbum se graba en Francia y se remasteriza en Londres. Este nuevo disco cosecha buenas criticas por parte de los medios especializados y del publico y para Eleanor empieza una nueva época con la compañía Columbia Records, con la que aparecen rápidamente tensiones. Interviene en la composicion de algunas series de televisión e interviene en un disco homenaje  a Sandy Denny junto con Al Stewart, Roy Harper, Donovan...

Con el cambio de siglo Eleanor decide dar un giro a su carrera y rompe con su compañía actual, Columbia Records, y de forma independiente decide publicar la joya que hoy os comento "Yola".

Este trabajo es el punto de inflexión de la carrera musical de Eleanor, marcadamente alineado con el Jazz acustico, muy influenciada por sus nuevos músicos, Brian Connors al piano, Lian Bradley a las percusiones y Eogan O´Neill al bajo.

Para Eleanor este nuevo comienzo, significa un acercamiento al gran publico y firma la paz definitiva con los medios que inmediatamente aclaman el disco como "el mejor álbum de esta excepcional artista" ó "el triunfo de la vuelta al Jazz clásico", sin duda la mejor Eleanor hasta la fecha, este trabajo consigue que la prestigiosa revista Hi-Fi+ le otorgue el galardón de mejor grabación del año.

El disco esta editado por la compañía independiente Market Square, en formato de doble capa, una en Super Audio CD, Direc Stream Digital, y una segunda capa en Estéreo. La portada y el libreto están ilustrados con unas fotografías del Este de Wexford y en su ultima pagina encontramos a lista de sus 11 canciones compuestas todas por Eleanor. El disco esta muy cuidado, a tal extremo que la placa soporte, es decir la película donde están grabadas las diversas capas y las canciones, es de oro para aumentar la calidad sonora.

Ni que decir tiene que con este soporte y el buen trabajo realizado en el estudio de grabación, el disco suena de maravilla, en cualquiera de sus formatos, en SACD la música envuelve y lo llena todo, muy buena separación entre instrumentos y una imagen tridimensional espléndida, cuando cambiamos al reproductor Estéreo el resultado sigue siendo espectacular, no pierde ni un ápice de realismo y se puede escuchar hasta los pensamientos de los músicos, de lo bien sonorizada que estaba la sala.

En cuanto a las canciones... Estamos ante el ejemplo de que, en algunos artistas, menos es mas, mientras cualquier otro se entretendría en rellenar huecos con guitarras, percusiones y broza informatizada, Eleanor rellena con calidad y calidad, si, vale, que un poco tarde, que lo podía haber hecho antes, pero que mas da, lo ha hecho ahora y vale.

Una voz sugerente, acariciante en muchos momentos, con muy buenas canciones, con letras muy acertadas y apasionantes, que hablan de la vida, del amor, de la lluvia, pero de una manera franca y directa. Eleanor se muestra tal cual es, nos enseña su mundo interior y nos deja participar de todos sus recursos.

Sus discos posteriores, afortunadamente, siguieron por este camino y se puede seguir disfrutando de esta genial compositora en otros trabajos que siguen esta misma linea pero evolucionando a paso firme.

Un disco para degustar a cualquier hora del día y en cualquier lugar, solo o en compañía, dependiendo de las circunstancia la música os llegara de una forma u otra, pero seguro que no os dejara indiferentes.

Que os aproveche.

SACRIFICIUM

SACRIFICIUM   Cecilia Bartoli.
La scuola dei castrati.

Cuando trato de expresar que es para mi un disco como el que quiero comentar hoy me quedo en blanco, se dan varios factores para que me quede sin palabras, tal vez la primera razón es que me gusta, no, me apasiona la música Barroca, la segunda es que las voces femeninas en la opera son otra de mis debilidades, así que lo tengo difícil...

Intentare empezar diciendo que este doble álbum del sello Decca es simplemente espectacular, al menos la edición de lujo que es la que compre. Realmente es un solo disco con 12 Arias, lo mas florido y granado de la música Barroca cantada y sobre todo del periodo comprendido desde finales del siglo XVII hasta mediados del XVIII. El segundo disco con los "Bonus" lo encontraremos al final del extenso libreto, en tres idiomas, Ingles, Frances y Alemán, lleno de notas, información, fotografías y un breve compendio con historia, términos y personajes que dan forma a este apasionante mundo de la música compuesta para Castrados. En boca de los productores "la mas virtuosa música jamas escrita para la voz humana".

Acompaña la voz de Cecilia Bartoli la deliciosa orquesta Il Giardino Armonico, dirigida por Giovanni Antonini. El disco salió a la luz en el año 2009.

Hace años una magnifica película, Farinelli il Castrato (1994) nos hablaba de este casi desconocido mundo de los hombres transformados en objetos musicales mediante la castración. 

Un integrista religioso, el Papa Clemente IX,  interpreto, a su manera, las palabras de Pablo el Apóstol, otro integrista, sobre que las mujeres en las comunidades de santos debían de callar en la congregación... La consecuencia de tan peculiar  "chascarrillo" es que se acabaron los coros femeninos en los actos religiosos y puesto que alguien debía interpretar esa parte de los cantos, los falsetistas y los niños tomaron esos papeles.

Según la música polifónica evoluciona también evoluciona el virtuosismo de los interpretes y se impone un nuevo canon de voz que solo se consigue "cortando por lo sano" con lo anteriormente conocido. Así que desde el año 1600 y durante casi 300 años, casi se convirtió en una regla que las partes de soprano y contralto de la música religiosa las interpretasen Castratis.

La época de los castrati es, por tanto, una de las mas espectaculares de la historia de la música en Europa. La maxima expresión del virtuosismo vocal junto al cenit de la música Barroca, compositores lanzados a conseguir el mas difícil todavía a costa de las vidas de los que estaban llamados a interpretar tan extraordinario repertorio.

El siglo XVIII lo marcan nombres como Farinelli, Caffarelli, Appiani, Salimbeni y Porporino, con las voces mas espectaculares que se hayan oído jamas y los mas grandes compositores de este tipo de música, Antonio Caldara, Nicola Porpora y Leonardo Vinci. Haré aquí un inciso para comentaros que Farinelli (Carlo Broschi 1705/1782) vivió en España 25 años, vino para curar la locura melancólica de Felipe V. La medicina del monarca eran canciones interpretadas por el virtuoso cantante del que se decía que tenia una extensión vocal de 3,4 octavas.

En la actualidad para conseguir un disco como el que os estoy proponiendo, haría falta armarse de unas tijeras de podar para conseguir un Castrati que interpretase el repertorio de una forma fiel, eso o recurrir a ciertos engaños en la sala de mezclas, como en el caso de la banda sonora de "Farinelli il castrato", pero menos mal que siempre hay soluciones menos extremas y esta solución pasa por tener una voz simplemente divina, como la de Cecilia Bartoli.

Cecilia es, posiblemente, la mejor mezzosoprano lírica  de coloratura del mundo, especialista en obras de Rossini y Mozart hace aquí una incursión, de esas que tanto le gusta, en la música Barroca. Con un timbre aterciopelado y una técnica depuradisima encarna el mejor exponente de Diva de este arte. Proxima, amable y en extremo simpática, he tenido el placer de estrecharle la mano en algún recital que otro.

En este disco Cecilia ofrece un recital variadisimo de arias de caza, arias de lamento, arias en stile imitativo, de las que sale airosa con prodigiosa facilidad, con fuerza y agilidad, con dulzura cuando debe, con unos saltos interválicos vertiginosos o con unos trinos en pianissimo increíbles. El Tempo ejecutado de una forma militar casi, llevado al limite y unos cambios de registro delirantes. Todo ello cantado con esa facilidad y limpieza que solo una garganta como la suya sabe dar.

La orquesta no le va a la zaga, Il Giardino Armonico, esta extraordinaria formación fundada en el año 1985, especialista en repertorio Barroco y en música de Vivaldi, ha sido laureada en varias ocasiones, 1996 con el Gramophone Award o con el Grammy de 1999.No es de extrañar que la mezcla de tales artistas den como resultado esta maravilla.

El disco tiene una escucha fantastica, muy fiel a la realidad, en su escucha nos transportamos de inmediato a la grandiosidad de una sala de conciertos, muy bien mezclado y con una toma de sonido ideal.

Todo el trabajo merece la pena, pero me quedo muy especialmente con el tema numero 3, "Cadró, ma qual si mira" donde Cecilia hecha el resto, que bravura... no olvidemos tampoco el contrapunto el tema numero 12, "Quel buon pastor son io" dulce y suave, el tema numero 7 es para disfrutarlo"In braccio a mille furie". En los Bonus encontraremos "Son qual nave" magistral aunque personalmente la versión que hace  Vivica Genaux en su disco "Arias for Farinelli" me parece mas emotiva.

A estas alturas veo que, al final, he sabido hablar del disco... No esta mal, espero que estas torpes explicaciones os incite a comprarlo y a disfrutar de la misma forma que disfruto yo cuando lo oigo, percataros que he dicho comprarlo y no descargarlo, comprarlo que merece la pena el cuidado envoltorio, el libreto y la cuidada presentación.

VALENTINE & THE TRUE BELIEVERS

Hace un par de meses recorría la céntrica calle Zeil de Frankfurt con mi hija Savannah, esta arteria comercial del centro de la ciudad es una amplísima avenida donde se ubican los mas importantes comercios y donde las firmas de moda mas importantes de la ciudad tienen local, tachonada de pequeños puestos de comida y bebida, llena de jardines y zonas de esparcimiento, esta calle peatonal es el lugar donde los habitantes de esta preciosa ciudad Alemana aprovechan para relajarse y divertirse mientras realizan sus compras, por que para el esparcimiento mas lúdico disponen del tremendo paseo a orillas del Meno.

La calle esta repleta, ademas, de artistas que exhiben sus talentos a cambio de unas monedas, acróbatas, malabaristas, mimos, músicos, bailarines y cantantes. Bueno pues de unos de estos grupos es el disco que os quiero comentar hoy.

Los descubrimos interpretando sus canciones en una soleada placíta y rodeados de incondicionales que escuchaban embelesados a este grupo, Valentina Siemsen cantando, Maik Wilms en la percusión (una bateria muy rudimentaria compuesta por caja, bombo y platillo, el bombo de fabricación casera y cuadrado... Y un cajón flamenco)  Elena Georgesku acompaña con el violin, Malte Lemke con la guitarra y Tine Arnnold con la melodica y el acordeón, su compañero de fatigas Danniel Rokko estaba enfermo y ese dia libraba.

Como unica concesión tecnológica Valentina cantaba con un micro y un mini amplificador, allí no había mas artificios, juntos, en semicírculo al rededor de la cantante, el resto del grupo obraba el prodigio de una música fresca, renovadora y magnifica.

Un Pop alejado de convencionalismos y encorsetaduras, Valentina canta canciones en un Ingles maravilloso,  en un sensual Frances o en Aleman, que en su boca suena a terciopelo. Canciones llenas de sentimiento y ritmo, de composición propia interpretadas en mitad de la calle frente a una funda de Violín donde se amontonaban poco a poco las monedas y, todo hay que decirlo, algún que otro billete.

Nos deleitamos con la media docena de canciones que interpretaron y en el descanso aproveche para charlar un poco con los integrantes del grupo, felicitarles, y de paso comprarles el disco que os estoy comentando.

Un magnifico disco, muy recomendable, de auto producción y grabado durante una actuación  en una minúscula sala alternativa de la ciudad, el Mobile Blues Club de Hamburgo, en Marzo de este mismo año.

Los diez Euros pagados por el disco, propina por la actuación incluida, son los mejores Euros gastados en música en los últimos meses. Si en directo el grupo sonaba bien, en la intimidad de la sala el resultado es sorprendentemente bueno. 48 minutos largos duran estas 13 magnificas canciones, ideales para oír y que el animo se levante, la música casi que sabe y se puede oler, sabe a manzanas, a cerveza con los amigos, a Pretzel recién hecho, huele a primavera y a prado de hierba a frescura.

Un grupo que ha sabido apartarse del camino tan trillado del Karaoke de OT, que también hace daño, atonta y aborrega en Alemania, y buscar sus propias fuentes donde beber e inspirarse, con composiciones magníficamente bien construidas.

El disco suena maravilloso, teniendo muy presente donde se grabo, Con una Valentina dueña y señora del escenario y unos músicos que componen a su alrededor un precioso encaje musical, con un sonido limpio y puro sin filtrar, sin aditamentos, por que  ¿para que ponerle vitamina C al zumo de naranja?.

El disco es de auto producción y solo se puede conseguir en sus actuaciones o bien solicitandoselo en su correo valentine.believers@gmail.com ó también podéis verlos un poquito en myspace.com/valentinethetruebelievers, yo ya espero con ansiedad volver a verlos o su nuevo trabajo.

¿Que con que me quedo del disco? esta vez hasta con el celofán que lo envuelve.

                                                                                        

Feliz Navidad

VIVA LA VIDA

Viva la Vida or Death an all his Friends  COLDPLAY.
En octubre del año 2006 esta banda Británica se reúne en los estudios de grabación para empezar a dar forma a lo que será su cuarto álbum. En buena compañía, Brian Eno como productor junto a Markus Dravs y a Rik Simpson.
El planteamiento de los integrantes de Coldplay es  claro, desmarcarse del sonido conseguido en sus tres discos anteriores y. reinventarse. El trabajo de elaboración les absorbe de tal forma que tras unos meses de ensayos, composiciones y tomas, deciden darse un respiro e inician una gira que les llevara por Latinoamérica, tocando en Méjico, Brasil, Chile y Argentina. Con los ánimos mas dispuestos y serenos  dedican el resto del año a seguir grabando, siempre de la mano de Brian Eno.
Desde el primer momento la orientación de los temas se aparta un poco de los anteriores trabajos, menos comprometidos y mas superficiales. En este disco se empiezan a dejar sentir las guitarras mas duras, distorsionadas y protagonistas en muchos temas y sobre todo la voz de Cris Martin se muestra mas grave.
El 29 de Abril la radio adelanta al mundo el primer corte del disco, "Violet Hill" un temazo contundente y una muy buena muestra de lo que será el resto de temas.
Coldplay, ademas, ofrece gratis la descarga de este sencillo durante una semana con un éxito mas que considerable, mas de dos millones de descargas, el triunfo esta cantado, Viva la Vida va a ser todo un himno, una declaración de principios.
Solo una semana les basta para colocarse en el Top 10 de las listas del Reino Unido y con el sencillo "Viva la Vida", de descarga exclusiva en iTunes,  consiguen el primer numero uno de la banda.
El album completo sale al mercado el día 12 de Junio y en solo tres días consigue estar en lo mas alto de las listas  Británicas, posiblemente el álbum con el éxito mas fulgurante de Inglaterra y el mas descargado, sin duda, de los últimos tiempos. Los números hablan por si solos, mas de 302.000 copias en una semana, ganador de los premios Q al mejor álbum y a la mejor actuación en vivo, varias nominaciones a los Brit Awards y los tres Grammy del 2009, mejor canción, mejor álbum de rock y mejor interpretación.
Compre el disco hace tiempo y dormía el sueño de los justos en el estante, a tal punto llega mi despiste que hace unos días compre otra copia... Menos mal que el cumpleaños de mi compañera de trabajo Eva a sido hoy y le ha dado un hogar a este segundo disco.
El disco suene magnifico y genial, no es de extrañar con el señor Brian como padrino es lo mas lógico. La banda suena madura, con unos arreglos estupendos y vibrantes. Los temas se van desarrollando y nos cuentas historias de una forma suave y ligera, haciéndonos imaginar paraísos cercanos y cotidianos. El trabajo impecable de Guy Berryman con el bajo, Jhonny Buckland con los desgarradores solos de guitarra, Will Champion en la contundente batería y Chris Martin , la voz cantante y responsable de las melodías a los teclados, es demoledor, sin olvidar la labor siempre un tanto oculta de  Phil Harvey, su manager.
Me quedo muy especialmente con "Viva la vida", como decia antes, un himno de nuestro tiempo, .y con el tema que  cierra el álbum "Death and all his Friends", son simplemente geniales. Os propongo la escucha con toda la tranquilidad del mundo con una copa de buen vino en la mano y sin prisas saborear música y caldo. Este disco, sin duda, se recordara dentro de muchos años y es que la música cuando se hace bien y con talento suena así.
Lo edito en su día Parlophone y en su estuche encontrareis poca información, algunos detalles de la grabación, los créditos habituales y poco mas, que pena no disponer de las letras de las canciones. La portada es un fragmento del cuadro de Delacroix "La libertad guiando al pueblo" que podréis ver en las galerías del Louvre.
Cuídaros.

Ana Alcaide Viola de Teclas.

Hace años, paseando por Toledo, al entrar en uno de esos magníficos callejones que parecen puertas al pasado, escuche una deliciosa música de algún tipo de instrumento, que en un principio tome por un Violín o una Viola, pero que sonaba de una forma algo extraña. Siguiendo el sonido llegue hasta el famoso "Pasadizo de Balaguer" y en la entrada descubrí a la autora de esa música y a su instrumento, Ana Alcaide y una magnifica Viola de tecla.
Ana me comento que le gustaba tocar en este singular rincón Toledano por la estupenda acustica del pasadizo que hacia que la música alcanzase unas sonoridades casi mágicas. Charlamos un rato sobre lo peculiar de su instrumento, una mezcla de Viola que se rasga con un arco pero que se pulsa mediante teclas dispuestas a lo largo del cuerpo y mástil del instrumento. La Viola de tecla es oriunda de los países Nórdicos, de Suecia en concreto donde recibe el nombre de Arpa de llaves, "Nyckelharpa",  un instrumento de origen medieval, de una sonoridad y una riqueza tonal extraordinaria. Ana, que ya estaba considerada como una excelente interprete de Rabel, se vuelca en la Viola de tecla y a falta de contacto con otros músicos que la toquen también se vuelve una autodidacta del instrumento y empieza a adecuarlo a sus gustos e inquietudes musicales, basadas primordialmente en la música Sefardí y en temas Castellanos.
Este estupendo trabajo que hoy me ocupa es uno de esos discos donde se nota el cariño y el mimo de los que se han encargado de crearlo. Una presentación estupenda en una cajita preciosa de cartón, con la fotografía de Ana junto a su Viola de teclas y en su interior el CD en su estuche de plastico, con la información precisa para comprender este trabajo.
14 canciones bellísimas en la que Ana repasa un repertorio muy equilibrado de danzas, seguidillas castellanas, música original para Rabel adaptada a este instrumento y música sefardí.
La acompañan en el disco Carlos Beceiro con la Zanfona el Bouzuki la Guitarra y las percusiones, Jose Luis Castillo a la guitarra española, Pilar Bescos con el Clave y Luis Lozano con la Celesta y el Bajo. El disco esta producido por Carlos Beceiro y se edito en Enero del 2006 en el sello Lubrican Record, con la participación del Ayuntamiento de Toledo.
En su audición uno se desliza irremediablemente hacia la música medieval y del renacimiento y los temas van pasando en un dulce discurrir, casi como si cerca de un arroyo estuviésemos, y los temas navegasen por el, sin estridencias ni prisas, un pedazo de disco para oír tranquilamente y dejarse llevar.
El trabajo es muy bueno, de muchísima calidad, los músicos están fenomenales, integrados, e interpretan con un mimo y una dulzura exquisita, la grabación es sobresaliente, la imagen sonora espectacular, en mi equipo grande suena de maravilla.
Me quedo especialmente con los temas nº1, Hixa mia, el nº3 Danza del Pirineo, con la magnifica "El romeral tema nº 9 unas Bulerías preciosistas y sorprendentes, pero no sobra ni uno solo de los temas que componen este disco, mas que recomendable si lo que quieres es relajarte y oír algo diferente.
No lo dudes y escuchalo.

ZIGGY STARDUST

Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.  David Bowie.
Para algunos "El mejor disco de todos los tiempos" ó "El mejor de todos los discos de Bowie", para gustos los colores...
Antes de conocer a David Bowie yo ya conocía algún tema de este álbum, en esa época unas rutas de escalada en el Yelmo, en La Pedriza, se llamaban así, las Arañas de Marte y Ziggy Stardust, que de bofetones me habré arreado en esas dos vías...
Este magnifico disco ha tenido tres remasterizaciones, una en el año 1990 por parte de Rykodisc, otra el el año 2002 y la ultima en este mismo año 2010, esta en el mercado gracias a la compañía EMI y al trabajo del productor Jones/Tintoretto Entertainment Co.Ltd.
El doble álbum original se grabo en Londres y se publico en el año 1972. Con este trabajo David llega, por primera vez, a las grandes audiencias, considerado como el mejor álbum de su carrera desde luego que es el mas extraordinario ejemplo del Glam Rock, incluido entre los álbumes mas influyentes de la historia del rock, fue el referente para otros muchos artistas que encontraron en el inspiración.
El disco nos desvela la historia de un extraterrestre andrógino, Ziggy Stardust, que viene a la tierra a triunfar como estrella del Rock, aunque sus intenciones solo son anunciar a los terráqueos que el planeta se muere.
Bowie se inspira en Vince Taylor, el kabuki y sus escarceos con "las hierbas aromáticas" para este personaje, que será su primer Álter Ego.
Las arañas de Marte son los componentes de la banda que acompaña a David desde 1971 hasta 1973, Mick Ronson con la guitarra y los teclados, Trevoro Bolder con el bajo y en la batería Mick Woodmansey.
La reedición que estoy escuchado cuenta con 20 magníficos temas, frescos, salvajes en algunos momentos y muy evocativos. Se desgrana el disco entre temas muy contundentes y alguna balada con piano, la voz de Bowie es magistral, impecable, perfectamente arropado pos sus músicos, el trabajo de los ingenieros de sonido ha sido muy lucida y han dejado un disco con una sonoridad y una frescura que es muy de agradecer. De todos los temas es difícil escoger alguno especial, pero me quedaría con Starman, que fue el sencillo del álbum y como no con el tema que le da titulo Ziggy Stardust.
He pasado un magnifico rato escuchando sus temazos, debo confesarlo, grabado en mi iPod a máxima resolución, con los mejores auriculares que tengo, unos Shure. En el equipo de casa sonaba mas espectacular, que duda cabe, pero...

¿que estoy oyendo?

Me he hecho un propósito firme, escuchar diariamente un disco nuevo y después comentarlo, la cosa será complicada, oír un disco al día es difícil con el ritmo de trabajo que llevo. Para colmo el tiempo, escaso para la escucha, será mas escaso para escribir las impresiones que me ha causado, pero bueno intentare hacerlo.
Para este emprésito deberé comprar discos a un ritmo mayor de lo que lo hago ahora, de 2 a tres por semana, pero puedo complementarlos con mi modesta colección, unos 1.500 CD, todos originales, 500 LP de Vinilo, mas cintas de casete, y carretes abiertos magnéticos de dos pulgadas.
Como este es el primer articulo que cuelgo en este recién inaugurado Blog, iré retocando, corrigiendo y mejorando los contenidos y la estética visual para hacerlo mas atractivo, procurare colgar la carátula del disco en cuestión y la mayor cantidad de información posible.
Para empezar no esta nada mal ¿no?. Solo hay que tener en cuenta alguna particularidad. La primera, tal vez, sea mis gusto musical. De todos mis discos mas de la mitad es música Clásica, seguido de cerca de Jazz, Blues, R&B, Pop, Rock, Metal, Trahs, Flamenco, Soul... Es decir, que oigo de todo, con lo que el disco a comentar será de lo mas variopinto.
Así que vamos allá.